Menos de dos años después de que China impusiera una ley de seguridad nacional de gran alcance, que provocó el arresto de decenas de activistas y periodistas de Hong Kong, finalmente cae el telón de acero sobre la industria cinematográfica de la ciudad, que alguna vez fue vibrante: en octubre pasado se aprobó una nueva ley de censura cinematográfica. para disuadir a las películas que glorifican o incitan a la subversión. No solo permite que la autoridad anule las licencias cinematográficas, sino que los cineastas y distribuidores también podrían enfrentar sanciones que incluyen hasta tres años de prisión por proyectar películas sin licencia.
En ese momento, el movimiento apenas fue una sorpresa; La policía allanó una proyección privada, y el estreno teatral de Inside the Red Brick Wall, el documental que narra el asedio de 13 días a la Universidad Politécnica en el punto álgido de las protestas de 2019, se canceló en el último minuto. La represión dejó a muchos lamentando la desaparición aparentemente inevitable del estatus de Hong Kong como capital cinematográfica de Asia, o al menos eso predijeron.
Hay un núcleo de verdad en la afirmación; los comentaristas señalan, por ejemplo, el número lamentablemente pequeño de películas producidas localmente en comparación con el apogeo de la industria a principios de la década de 1990, cuando se estrenaban más de 200 películas locales por año.
Y, sin embargo, para una nueva generación de jóvenes cineastas de Hong Kong, el destino inminente de la industria es un signo de interrogación, no una conclusión inevitable. La muerte del cine de Hong Kong es solo una profecía autocumplida si uno lo permite.
No se puede negar que estas restricciones se nos están acercando, dijo Sam Lam, la mitad del dúo de directores detrás del largometraje nominado al Golden-Horse May You Stay Forever Young, que actualmente se proyecta en el Hong Kong Film Festival UK. (HKFF) y llegará a las pantallas gigantes de Taiwán a partir del 8 de abril.
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Pero no olvide que la pandemia ha afectado a la industria cinematográfica convencional con la misma dureza. Mientras mantengas vivo tu deseo de crear, descubrirás formas de reinventarlos, incluso para hacer que las cosas sucedan.
Cuando el cine se convierte en un acto de desafío
La película, autofinanciada con un presupuesto de menos de 77.000 dólares estadounidenses con un equipo mínimo, comenzó a producirse a mediados de 2019, en medio de la agitación política en Hong Kong que estalló por el proyecto de ley de extradición propuesto en ese momento. Luego, acosada por la pandemia, la producción se vio obligada a suspenderse durante casi un año. Cuando se completó la posproducción, la censura más estricta ya se había infiltrado: la película fue prohibida por exaltar la violencia y el suicidio, y un distribuidor local interesado la abandonó posteriormente.
May You Stay Forever Young (un título tomado de una letra de Bob Dylan) emplea un estilo dramático de ritmo rápido y disparos de guerrilla para contar una historia de manifestantes que corren contra el tiempo para salvar a un compañero manifestante que apenas conocen, una joven apodada YY del suicidio. .
La inspiración provino de las prolongadas protestas que afectaron la salud mental de los jóvenes: según los informes, la incidencia de suicidios aumentaba a un ritmo alarmante. Se formaron equipos de voluntarios, a menudo con la ayuda de trabajadores sociales, en la aplicación de mensajería Telegram para realizar un seguimiento de las alertas entrantes relacionadas con los intentos de suicidio y la información de colaboración colectiva crítica para prevenir la pérdida de vidas.
La trama se centra en estos héroes anónimos y su nueva camaradería, ya que el equipo creativo estaba muy consciente de que no tenían lugar para hablar por aquellos que se suicidaban, explicó Rex Ren, el codirector de la película. Tampoco pasa por alto la desesperación y el trauma experimentado por las contrapartes del mundo real de YY: el abuso policial se representa y se hace referencia en varias escenas, y los personajes reciben historias de fondo matizadas basadas en el realismo. La película también está anclada por una actuación incandescente de su elenco, la mayoría de los cuales son actores no profesionales, que eleva las apuestas emocionales de la historia y transmite acertadamente una sensación de urgencia.
La decisión de centrarse en los grupos que se apresuran a rescatar a YY también influyó en el enfoque estilístico de la película. La historia estrechamente trazada sigue al grupo a medida que atraviesan el diverso paisaje urbano de una manera que recuerda el estilo por excelencia del popular género de acción de Hong Kong. En los casos en los que la filmación en locaciones estaba prohibida, el equipo diseñó la iluminación y los efectos visuales en un escenario sonoro para recrear el ambiente tenso y caótico de las escaramuzas, y luego intercaló estas escenas a la perfección mediante una hábil edición.
Rex Ren (izquierda), codirector de May You Stay Forever Young (2021).
El equipo creativo se inspiró en Take Out, uno de los primeros trabajos del director independiente estadounidense Sean Baker, que muestra a un inmigrante chino que trabaja como repartidor de comida para llevar en la ciudad de Nueva York durante un solo día. Su determinación de dar vida a la historia a pesar de los recursos limitados y otros obstáculos de producción también refleja la experiencia previa de Ren trabajando para el aclamado director Fruit Chan, cuyo clásico independiente de 1997 que definió una era, Made in Hong Kong, también se proyectó en el HKFF en una versión restaurada. filmado en rollos de película sobrantes con un presupuesto inexistente antes de arrasar con importantes premios.
Cumpliríamos con nuestros horarios de rodaje, llueva o truene, recordó Ren. Siempre habría planes alternativos cuando las circunstancias se salieran de control. Nada es imposible en el libro de [Chans].
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Ren, sin embargo, se encoge de hombros ante la idea de ser encasillado en una posición artística específica y su estilo asociado limita una crítica común y un tanto cliché dirigida al cine independiente en el pasado. Lo que nos distingue es simplemente la ausencia de un presupuesto comercial, dijo, enfatizando su deseo de hacer una película de una manera que sirva mejor a la historia, que pueda conectarse con una audiencia más amplia y dejar un impacto más fuerte. Es el espíritu, y no la forma, lo que importa.
El feliz nuevo mundo del cine independiente
Si bien los jóvenes cineastas de Hong Kong que se atreven a tocar temas políticamente delicados ahora luchan por obtener financiamiento o, peor aún, corren el riesgo de quedar en la lista negra de oportunidades futuras, su producción creativa no está contaminada ni definida por los tiempos siniestros en los que se encuentran. Un aumento de nuevas voces ha emergido de la ruina política. Estos cineastas están explorando colectivamente enfoques innovadores para trazar las fuerzas sociales e históricas, así como las corrientes culturales subyacentes que precipitaron los últimos años de agitación de la ciudad.
Tze-woon Chan, director de Blue Island (2022) y Yellowing (2016).
Para el cineasta Tze-woon Chan, anteriormente conocido por el documental Umbrella Movement Yellowing, los cambios sísmicos en el panorama cinematográfico de Hong Kong han abierto caminos novedosos para los artistas visuales que están ansiosos por contar las historias de la ciudad con sinceridad. Para aquellos que han vivido el período de disturbios, lo que sucedió desde 2019 seguramente dejará huellas en nuestro trabajo de alguna manera, dijo Chan, y agregó que se sentía enormemente optimista de que una generación más joven de cineastas se vería impulsada a abrir nuevos caminos.
La nueva película de Chan, el documental híbrido Blue Island que se proyectó recientemente en el Festival Internacional de Cine de Róterdam y se distribuyó en el extranjero, es una meditación reflexiva y evocadora sobre el vínculo esquivo entre la memoria, la narración y la identidad. La película, cuya producción comenzó originalmente en 2017, teje un tapiz lírico que combina imágenes de archivo, documentales de observación y relatos semificticios recreados de tres hombres que reviven momentos cruciales a lo largo de la historia contemporánea de Hong Kong.
Acreditando su influencia creativa a los grandes documentales La Commune (París, 1871) y The Act of Killing, las recreaciones históricas de Chan funcionan tanto como un dispositivo narrativo como una forma autorreflexiva de explorar la resistencia y la duplicidad de la memoria. Explicó: ¿Cómo puedes contar sus historias sin validar por completo las narrativas en las formas en que insisten en contar a lo largo de sus vidas mientras descubren nuevas perspectivas al mismo tiempo?
Los tres hombres cuyas experiencias individuales van desde huir de la Revolución Cultural y estar implicados en los disturbios izquierdistas de 1967 hasta presenciar la Masacre de Tiananmen en 1989 representan posiciones diferentes en el espectro político. Cada uno está emparejado con un joven manifestante marcado por las secuelas de las protestas de 2019, lo que permite un diálogo intergeneracional en gran medida espontáneo, pero profundamente sentido, que de otro modo es poco probable que se filme en la pantalla.
Lo que los une a pesar de estas diferencias es que todos dieron el salto y actuaron de acuerdo con lo que pensaban que significaba para ellos el futuro de Hong Kong, y luego pagaron el precio por ello, dijo Chan.
La atención al detalle que se puso en el vestuario y el diseño del escenario en las recreaciones es asombrosa. Hay una otredad que se siente auténtica y fuera de lugar a la vez. Como sugiere el título, la película está impregnada de un aire conmovedor, una palpable sensación de pérdida. Las escenas finales revelan que muchos de los entrevistados que aparecen en la película están encarcelados o en espera de juicio; Los momentos icónicos de los movimientos de masas capturados al principio de la producción ahora pertenecen a una era pasada.
¿Estás tentado a replicar la búsqueda de libertad de tus antepasados y escapar a otro lugar? En este fotograma de Blue Island, Anson Sham y Siu Ying retratan a una pareja que huye de China continental a Hong Kong en medio de la Revolución Cultural.
Sondeando la imaginación cultural de Hong Kong
El problema subyacente en torno a la identidad cultural de Hong Kong siempre ha sido una faceta intrínseca de su discurso político, según Laikwan Pang, estudioso del cine y profesor de estudios culturales en la Universidad China de Hong Kong. Lo que estamos viendo es un renacimiento cultural, dijo Pang, señalando el florecimiento del cine independiente de la ciudad en paralelo con el ascenso meteórico de la banda de chicos de canto-pop Mirror y el popular canal de YouTube Trial & Error, todos desarrollos que desafían el entretenimiento convencional. dominio de larga data de la industria.
¿Estos fenómenos de la cultura pop simplemente desvían nuestras emociones no abordadas o han estado conectados todo el tiempo? añadió Pang.
La noción de reclamar o afirmar el patrimonio cultural de Hong Kong mientras se celebra su renovación se encuentra en el tema del Festival de Cine de Hong Kong. En el pasado, las películas de Hong Kong se proyectaban bajo el paraguas monolítico del cine de Asia oriental, generalmente las clásicas e icónicas, dijo Ka-leung Ng, cocurador de festivales del Reino Unido y anteriormente codirector de la controvertida película Ten Years.
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Ahora nos enfrentamos a otro dilema en el que los extranjeros deciden que algo no es una película de Hong Kong a menos que presente abiertamente las protestas.
Fotograma de May You Stay Forever Young.
Las películas independientes que seleccionaron representan un esfuerzo polifónico para contar las historias de Hong Kong, dijo Ng, y enfatizó que todos los directores presentados en el festival de este año todavía están haciendo películas activamente. Las obras más extraordinarias a menudo nacen de los peores tiempos.
De regreso en Hong Kong, el equipo creativo detrás de May You Stay Forever Young está trabajando en nuevos proyectos a través de Phone Made Good Film, una iniciativa que cofundaron para promover el cine móvil y nutrir a los artistas visuales emergentes. En parte se inspiró en el movimiento Dogme 95.
No queremos que termine con una nota acusatoria, dijo Ren, explicando la decisión detrás de la afirmación de la película y, sin embargo, una escena final estilizada y ambigua. Es surrealista y completamente real; al final, hay esperanza.
Al principio de la película, se le dice al personaje de YY que la ciudad no cambiaría solo porque no puede resignarse a la situación de indefensión. Tal vez lo contrario es igual de cierto.